Historia de la Sopa Fermentada

Mis queridos niños, los he reunido hoy con un solo propósito; adquirir un poco de conocimientos en Bromatología y en cuidados de la salud de los alimentos. No, no terminé de enloquecer y me dediqué a vender ensaladas en un delivery que se llama La Espinaca de Popeye (aunque no suena tan descabellado cuando lo lees), ni tampoco me puse a pensar en otras delicadezas de la salud alimentaria de nuestros queridos Frikilectores. Tampoco me pegué una intoxicación como para quedar curado de espanto, ni tampoco se me ocurrió cambiar el rumbo y pegar el timonazo en Frikilogía. No, mis queridos niños, esta nota viene de la mano de uno de los personajes más sanos y, a la vez, mas espeluznantes que alguna vez desfilaron por las páginas de un comic. Trístemente célebre en algún punto, Lo que hoy les presento es a Swampy… o La Cosa del Pantano, para delicados.

Alejando las Moscas del Potaje

La Cosa del Pantano es un comic relativamente bueno de la mano de DC. Para los que lo desconocen, este personaje viene desfilando entre el celuloide, el pulp y el papel ilustración desde el año 1971, año en que el propio sello editorial apuesta un poco más a los comics de horror y suspenso y le pone las fichas a varios proyectos, entre ellos, el de Swampy.

Algunos podrán encontrar grotesco el hecho de tener un comic relacionado con pantanos, moscas, vegetales, agua estancada, olor a pedo de vaca… pero seamos sinceros y francos; qué sabemos de los pantanos? Nosotros, habitantes de llanura y concreto, acostumbrados a un río de barro perpetuo y a la horda de mosquitos en verano no nos podemos quejar.

Pero no nos alejemos del punto principal, que es, en síntesis, contar un poco de qué va la cosa. Básicamente hay que pensarlo desde varios lados por el hecho de que Swampy no es un personaje fácil de comprender ni tampoco de digerir, como buen caldo denso que es.

Ya desde el vamos haber usado el calificativo Thing (cosa, en inglés) lo deja al márgen de muchas cosas. No es humano, ni tampoco un animal, ni bestia ni monstruo… ni por asomo, un superhéroe. Es una cosa… y como buena cosa que es se dedica a tirarle las orejas a varios.

Acá encontramos la dualidad de la Cosa, porque a pesar de ser efectivamente una cosa (no tenemos ni la más puta idea si darle la mano o pelar un lanzallamas) tiene una forma y un comportamiento plenamente humano. Se mueve de la misma manera en que lo haría un hombre al que le gustan en exceso los pantanos, se sumerge en las aguas podridas con una majestuosidad que los viejos monstruos de Hollywood tenían… y sin embargo, no pretende asustar a nadie. Simplemente quiere que nadie les rompa las terlipes y pasar su vida en paz.

Conozcan a los Cocineros

Swampy aparece, como dije más arriba, en 1971, en una historia independiente homónima que narraba la historia de Alex Olsen, un químico que laburaba obviamente cerca de un pantano y que es traicionado por un compañero para casarse con la mujer, matarla y forrarse en guita. La típica historia de los ’40: el tipo explota envuelto en “químicos misteriosos y mezclados”, y se funde con el pantano mismo y queda completamente deforme; vuelve como el vengador incomprendido que es, mata al traidor y, como la mujer no lo reconocía y solamente se asustaba de verlo, la historia concluye tristemente con La Cosa volviendo a los pantanos para readaptarse a su nuevo hogar.

Ahora abro un paréntesis, porque no sé si se habrán dado cuenta (o si yo soy un limado viejo que ve patrones por todos lados), pero fíjense que en historias afines, especialmente las de producciones de cine, el monstruo es siempre la víctima inherente a un caso de venganza, odio, adulterio o cualquier otro yuyo. Y siempre, siempre, el monstruo que era un hombre (o mejor dicho, el hombre que era un monstruo) quiere redimirse, y termina trágicamente solo o muerto. De acá se me desprenden un par de conclusiones como frutas de la cabeza; la más obvia es que había ganas de poner héroes (o anti-héroes, o anti-hombres en todo caso) que tuvieran la nobleza de aceptar un destino impuesto que les había cambiado la vida en noventa grados, y de olvidarse, o caer en el olvido. La otra es la no-comprensión de la mujer (como elemento en las historias) de que su marido / esposo / novio / hermano se transformó en otra cosa, o sea, la discriminación de un estado posterior que el pobre tipo ni siquiera eligió.

Atenti que tampoco es así siempre; también se puede dar el histeriqueo del bicho por no querer avergonzar a la chiquita. Pero bue, fin del paréntesis.

Como podrán suponer, Swampy gustó bastante, así que le dieron la plata del alquiler y de los guisos del mes a un par de pibes (de los que vienen los nombres de Len Wein, Roy Thomas y Gerry Conway) y la cosa empezó a tener su propio comic, ahora adaptado a un marco de un poco más contemporáneo y alterando ligeramente la historia original; el químico se transforma en un científico que investigaba una fórmula para hacer brotar vegatales de cualquier parte (pero sigue explotando en un laboratorio y aterrizando en un pantano), el tipo que le quería robar la mujer se transforma en muchos agentes patoteros que le querían robar la fórmula, a mnos de un enemigo random (Mr. E.) y la mujer nunca existe. El chiste del segundo (y definitivo) Swamp Thing es que esta cosa es más musculosa y se parece más a un humano (aunque no deja nunca de ser una cosa pseudo horrorosa), y tiene la habilidad de hablar, diferencia particular que la primera cosa no tenía y que le da la posta para poder comunicarse (a pesar de no ser un charlatán, se puede comunicar).

Otra cuestión que me estaba olvidando es que éste Swampy no solamente está enamorado, sino que ese amor es correspondido; la mujer que ama es una profesora de secundario, albina (como para ponerle las cosas más raras todavía), que vive en los Pantanos de Louisiana y está casada con un hombre en coma. Obviamente esta mina, como las grandes mujeres de los héroes, permanece en el anonimato la gran parte del tiempo y es lo que más lo acerca al mundo humano tangible.

A partir del principio, La Cosa del Pantano se troca en cosas raras, aventuras supernaturales y demáses yerbas que todos pueden tener en casa, como cultos, supervillanos extradimensionales y jugar a la payana en la niebla del pantano.

Como último detalle me gustaría agregar que los co-creadores de Swampy también crearon un personaje bastante similar para Marvel, Man-Thing (de quien hablaré algún día cuando tenga que tirarme a leer los comics), que trata de un monstruo bastante similar que habita los pantanos de Florida en vez de Louisiana, y que es un poco más monstruoso y un poco más letal (si su enemigo tiene miedo, se vuelve corrosivo, lo cual resulta jodidamente conveniente); el chiste es que cuando los editores recalcaron la similitud entre ambos los creadores no dijeron nada y se hicieron los boludos, particularmente porque tenían que pagar el alquiler, la luz y probablemente el gas. Los editores, por su lado, hicieron mutis también por una razón muy simple; llevar un juicio por originalidad en una industria que mueve millones no es fácil, y menos cuando existía un precedente con anterioridad llamado The Heap, de ediciones Eclipse, una edición de miles que proliferaron en los ’40, durante la bien llamada Era Dorada del Comic (en que parecía ser el negocio de la época, y seguramente las imprentas se vendían de manera absoluta y fácil). Es de idiotas presentar un juicio cuando sabés que hay un descendiente con los derechos de un personaje muy parecido y más viejo por ahí… y además, tanto Swampy como Man-Thing eran personajes pequeños de historias secundarias de DC.

Pero bueno…

Yerba Silvestre y otros Yuyos

Hablando de detalles particulares, tengo que recomendar la lectura para el que quiera meterse en los pantanos de Swampy, especialmente a los amantes del género (horror? Supernaturalismo?) y a los amantes de los rincones oscuros de DC. Otra cuestión que quería mencionar es que esta serie tuvo como guionista al excelente Alan Moore en la saga American Gothic, además de que durante la misma se introduce por primera vez un personaje amado por muchos de nosotros; John Constantine, el mago londinense (aunque llamarle mago es un insulto).

Swampy es un bicho raro. Como decía al principio de la nota, no puede renunciar a su condición de Cosa, pero tampoco renuncia a la humanidad que le queda, especialmente gracias a Abby, la Profe de secundaria a la que más de un alumno le habrá silbado piropos. No se mueve por ganas de salvar el mundo ni tampoco por venganza, ni tampoco por cuestiones que vayan más allá del bien y del mal.

Si bien creo que estas creaciones y estos personajes tienen su complejidad (tienen que tenerlo, al fin y al cabo), hay cuestiones dentro de su propio desfile de disfraces que no se pueden negar; una de las cosas que más rescato y recalco de Swampy es la simpleza del bicho. A pesar de hablar, el flaco pasa gran tiempo escuchando o simplemente contemplando el paisaje, o pensando o pasando todo por los sentidos, su mente y su corazón; en este sentido es más similar a una planta que a un hombre, o más al tipo que te ayuda sin decir una palabra pero siempre con una sonrisa entre los labios.

La historieta en sí puede molestar por momentos en cuestiones respecto a relleno (existen muchos diálogos que no cambian nada, pero contribuyen al drama general de la trama, o escenas que se alargan demasiado tiempo al pedo, quizás), o por maneras de tocar los estratos de DC… pero también hay que considerar que DC tiene un universo muy presente, y que se mueve por contactos entre ellos. No hay manera más copada de pensar en Swampy que en eso; reduciéndolo a la simpleza y la tranquilidad de los Pantanos en vez de moverse por el aire con Superman o salvando al mundo con la Liga de la Justicia.

Swamp Thing también tiene un secreto que no muchos notan, porque, sobre todo a esta altura, está bastante diluido con los entretelones que funden la obra. Y es, como mencionaba antes, el aire de monstruo que no es monstruo, tan bien impreso tantas veces en Hollywood. No puedo dejar de pensar en la vieja Momia cada vez que lo veo, sumergiéndose en los pantanos para descansar eternamente una vez que decidió hacer el bien y dejar de obedecer la voluntad del forro de turno; o en La Criatura del Lago Negro, un film estrambótico y clásico en su movimiento, en que el bicho lo único que hace es rescatar y ser perseguido por eso.

Estas historias también conllevan un mensaje que, aunque viejo, no deja de ser vigente; denuncian a la verdadera monstruosidad y no a lo estrafalario o lo macabro. No es necesario tener cuatro piercings en la cara y un tatuaje de V8 en el cuello para robar, ni tampoco hace falta moverse por lugares siniestros (como pantanos, callejones oscuros o bares) para terminar transitando círculos tenebrosos. Lo único que hace falta es inertir energías en consumirse o consumir a otros… y no necesariamente la tapa hace al libro, como dice el refrán. Todos conocemos una criatura del pantano; silencioso, esencialmente bueno, de apariencia malinterpretada o monstruosa. Y muy probablemente todos lo vean a él antes que al señor de traje y corbata.

Eso es todo por hoy! Nos vemos en la tinieblas del pantano

Cataqclismo

Card Captor Sakura

Cuando los recuerdos de la infancia atacan

Sakura Card Captor! (con voz de narrador de Cartoon Network) Muchos deben recordar este anime, muchos deben recordar el manga. Muchos, recordarán por siempre el quilombo de relaciones de personajes en las que no se entendía nada hasta el feliz.

Li Syaoran (que en realidad ya ni sé cómo se escribe con tanto quilombo de fonética. Pero siempre creí que se llamaba Shao Ran), y Sakura Kinomoto. La pareja más aclamada y reconocida de CLAMP. Tanto así que hasta se hicieron otra saga con ellos. Pero no nos adelantemos.

Desde Mayo de 1996 a Junio de 2000, este manga fue editado en la revista Nakayoshi, y luego recopilados en 12 tomos publicados por Kodansha.

Tuvo un anime de 70 episodios a cargo del estudio MadHouse (ahora conocidos, por el epic fail de Iron man y Wolverine), que se emitió entre abril de 1998 y marzo del 2000. Y a eso se le suman dos películas. Una en agosto de 1999 y la otra en Julio del 2000. A nuestras manos recordarán, llegó gracias a Editorial Ivrea. Y que las cartas que venían con cada tomo las lanzaron todas juntas con el último tomo para evitar que afanen el puestito de diarios.

Esta saga tuvo más de 10 juegos para distintas consolas, y estuvo tan aclamada que ganó el Seiun Award para mejor manga 2001, y el Anime Grand Prix para el mejor anime de 1999.

La historia gira en torno a Sakura Kinomoto, que un día limpiando el sotano de su casa, abre un libro, y sin querer activa un poder mágico provocando que las Clow Cards sean dispersadas. Para evitar que el mundo se sumerja en una catástrofe. Cerberus (Kerberos para todos nosotros, mejor conocido como Kero-chan), el guardián de las cartas le encomienda la misión de reunirlas a todas. A sus aventuras se suman la mejor amiga de Sakura, Tomoyo (Conocida por mis pagos como “La Loca Daidouji”) y Li Shao Ran (porque digan lo que digan, para mí que se escribe así).

¿Desean que les refresque la memoria sobre esta serie tan memorable? Abróchense los cinturones, que esta cosa tiene de que hablar.

¿De dónde salió?

Experimental.

Posta, no les miento. Ahora que vi la misma serie de más grande, me vengo a dar cuenta que era re experimental para la época. La temática que trataba, los diseños de personajes, en general el mundo de Card Captor Sakura era demasiado rosa y tocaba temas jodidos.

Esto se debe a que el editor en jefe de CLAMP les pide que hagan otro manga para la revista Nakayoshi. Anteriormente habían publicado Magic Knight Rayearth en la misma revista.

Nanase Ohkawa, quién es la cabecilla guionista de CLAMP, quería hacer algo dirigido al público de la revista, tomando un personaje cuyo diseño y edad corresponda a la de los lectores. Fue de esta manera que se le ocurre hacer un Magical Girl, a pesar de que no tenía idea de que era lo que trataba el género. Así que tomándose un poco de tiempo para pensarlo, termina creando Sakura.

El diseño de Sakura, fue totalmente fuera del parámetro de lo que CLAMP sabía hacer. Personajes como Tomoyo; Cerberus; Touya y Shao Ran, eran del estilo CLAMP, mientras que Sakura era la que daba la visión más inocente y suavizada de lo que ellas habían logrado hasta el momento.

Detalle importante es que Ohkawa, nunca le dijo a nadie de qué iba la historia. De hecho, Mokona Apapa había dibujado a Tomoyo cómo enamorada de Touya. Imagínen su sorpresa al leer el guión y enterarse que estaba enamorada de Sakura.

Y así, de poco a poco, atando cabos y probando cosas una a la vez, fue como CCS fue tomando forma.

La idea, fue simplemente dar una visión inocente de un mundo en el que no hay prejuicio. Sakura, es una chica que acepta todo lo que está a su alrededor. Su personaje fue creado para aceptar los distintos tipos de amor en el mundo, y esto es lo que crea una visión tan feliz y esperanzadora.

El mejor ejemplo sería la relación entre Rika Sasaki y el profesor Yoshiyuki Terada. Por un lado te puede causar una sensación de ternura y de esperanza. Ya que crees que en el futuro todo funcione, mientras que por otro lado…: PEDOFILIA!!!!! FULL SPEED AHEAD!!!!!

Así podemos poner en la mira a la relación entre Sakura y Tomoyo. Si bien Sakura no se da por aludida, Tomoyo tiene una obsesión que raya con el fetiche de vestir a su “amiga” con la ropa que ella diseña. Y ni hablar de las alarmas de voyerismo que explotan cuando la chica agarra una cámara. (Por cierto, la idea de que Tomoyo vista a Sakura con distintos trajes, fue bajo la consigna de que las autoras no querían que fuese un típico Magical Girl con un solo traje, así que decidieron hacer muchos diseños para darle variedad ya que: “Para una chica, es muy triste usar siempre la misma ropa”)

Y sin irnos más lejos, Yukito. Ese chico de pelo gris claro y anteojos que parece tener una mira en la nuca porque todo el mundo parece querer algo con él. Yukito y Touya serán por siempre el ícono de la bandera Gay en el mundo del anime. (Y digo el ícono porque son los más inocentes, ya que si ponemos a los protagonistas de… Haru wo Daite Ita, ponéle, sería demasiado pornográfico).

Y sin embargo, tenemos también el “Amor verdadero”. Esa cosa hermosa que convierte al mundo en pelotudos. Eso es lo que encontramos recién al final de la serie, y el grandioso tomo 12 del anime. Un tomo entero dedicado exclusivamente al cierre de la saga, y solamente pensado para dejar que los enamorados estén juntos.

¿Diferencias entre el manga y el anime?

Es increíble la cantidad de agujeros en blanco que te deja la serie y que solamente consigues rellenar al leer el manga! Ojo, lo que vi fue la serie en latino. Y si tenemos en cuenta como viene el mambo con la censura boluda. De acuerdo a mis investigaciones, cuando filtraron Sakura fuera de Japón, mucho del pasado de los personajes hizo puff en el aire.

Bueno, primero lo primero. El primer gran detalle que debe se explica en el manga y no en el anime es la relación del padre de Sakura con todo el quilombo. Es necesario resaltar esto, ya que durante la serie no se sabe nada del padre salvo que es un sujeto que no tiene familiares y es profesor. Es extremadamente gracioso, ya que cuando uno ve con detenimiento empieza a sospechar de la vida de ese hombre porque parece que no tiene vida, aparte de solamente dar clases públicas.

Segundo, el verdadero motivo por el cual Eriol quería que las cartas Clow pasasen a ser Cartas Sakura.

Tercero, el motivo por el cual el propio Clow decide dividir su magia y dejarse de joder con ser el más poderoso de todos. Y porqué decide darles un nuevo amo a Cerberus y Yue.

Cuarto, las cartas Clow. En el anime tenemos un total fastidioso de 52 cartas, mientras que en el manga el número no supera a las 12! Es decir que tenemos una millonada de relleno en el anime. Cómicamente, Li nunca agarra ninguna carta, así que su parte del “Juicio” nunca sucede, es Sakura sola quién enfrenta la situación.

Quinto, y esto se ve en la película, la filosofía/metodología de las cartas Clow es distinta. En el anime lo que hicieron fue utilizar la teoría del Ying y el Yang diciendo que la última carta (la carta sellada, como es el título de la película) era el Ying el lado negativo de todas las otras cartas. Lo cual fue una gran burrada.

Sexto, el personaje de relleno de la muerte. Li Meiling. Lo mejor que tuvo este personaje fue cuando en la segunda temporada los pingüinos de cemento comienzan a atacar y la pendeja va con las manos desnudas a derribar a los armatostes. Cómicamente, después se queja del dolor de manos.

Podría seguir hablando todo el día de las diferencias entre el manga y el anime, pero creo que no es necesario a esta altura. Les recomiendo el anime para revisitar el pasado, y les recomiendo el manga porque la calidad gráfica es simplemente sublime.

Qué lo hace especial?

Más allá de todo lo que dije respecto a las relaciones entre personajes y demás chicherío. Lo que realmente hace atractiva la serie, es que toma el género Magical Girl y le da contenido!

Los personajes crecen, y esta apuntado a un público que está atravesando el mismo tipo de desarrollo emocional que los protagonistas. Es como ver un manual de relaciones humanas para dummies.

Por otro lado, el mensaje que deja la serie es uno muy positivo. Se podría decir que te entrena para ver el lado positivo de las cosas y para tener confianza en uno mismo. El lema de Sakura “Todo va a estar bien”, es algo que suele pegarse en la cabeza de los chicos y yo creo que sirve bastante, en especial si vemos como son los tiempos de ahora.

A nivel animación, los episodios varían entre “grositud” y “WTF mirá ese ojo!”. La secuencia de animación de Sakura usando la magia es un flash los primeros 5 episodios, pero si la van a ver de una sentada la van a terminar detestando.

Respecto a las voces no tengo ninguna queja. Escuchar a Rei Hino haciendo de madre de Tomoyo, a Inu-Yasha haciendo de Yukito/Yue y a Duke Devlin de Touya es realmente cómico. Ojo que cuando uno es chico tal vez ni se dé cuenta, pero ahora que uno es capaz de reconocer esas voces resulta gracioso.

Y el merchandising?

ES UN MONTÓN!

Desde el libro de Cartas Clow, el libro de Cartas Sakura, los guidebooks que te enseñaban a usar las cartas cómo tarot, los juegos (que un amigó jugó el de GameBoy Color, y es un montón de minijuegos en lo que es importante es el timing), los artbooks, los comic books de las películas, etc. Etc. Etc. Etc.

Qué onda el impacto?

Muchos críticos le dieron los pulgares arriba a esta serie, más que nada por la calidad gráfica y por la capacidad de CLAMP de agarrar un género completamente bastardeado y darle trama y personalidad. Creo que después de Sailor Moon, Card Captor Sakura fue la única saga que realmente le dio vida al Magical Girl.

Por otro lado, saltó mucho bardo departe de las organizaciones cristianas, ya que el uso de las cartas se relacionaba con el tarot. Y cómo todos saben, las brujas son personas malvadas que comen bebés antes de ir a dormir >.>

¿Algo inolvidable?

Todo personaje que usa anteojos es un personaje sospechoso y sabe más de lo que debería. Aunque la amiga de Sakura escapa de esta regla, tanto Yukito; Fujitaka y Eriol usan anteojos. Y ellos resultan medio siniestros en ocasiones. Hubo un momento en el que Yukito tiró un comentario medio acido y con mi amigo nos quedamos mirando. Fue cómo que el Yue en su corazón salió a flote.

Yamasaki es el mejor (à favor de ignorar la referencia a un anime muy malo). Las mentiras que cuenta ese chico son increíbles, y cómo su lógica las justifica puede llegar a ser muy sorprendente. Jejeje

Entonces?

Altamente recomendada para aquellos que deseen caminar por el camino de los recuerdos. Es uno de esos trabajos que traen alegrías y te deja una sensación de bienestar que usualmente no se encuentra en el anime de ahora.

Viendo este trabajo ahora que soy grande, resulto un poco cansador, y uno se da cuenta de que tan asqueroso es el relleno. Sin embargo, no dejó de ser una experiencia satisfactoria. Y da para dedicarle una larga charla respecto a las cartas Clow y demás detalles que de chico uno ignora. Yo le dediqué un viaje de 45 minutos en colectivo simplemente discutiendo cuales cartas eran re grosas y cuáles no tenían derecho a existir.

Sin más que decir, GO FOR IT!

Remy Eclair

Retroanálisis: Fenomenoide

Tal y como lo había anticipado en la nota sobre los Animaniacs, este mes voy a continuar con el retroanálisis para que recuerden (o conozcan en el caso de que sean muy pibes) a una de las mejores series de los años ’90. Otra joya resultante de la asociación entre Amblin Entertainment y Warner Brothers…con ustedes: Fenomenoide.

Curriculum:

Fenomenoide (Freakazoid en su idioma original) es una serie creada por Steven Spielberg, Bruce Timm y Paul Dini que fue producida por Amblin Entertainment y Warner Brothers (siendo Steven Spielberg el productor ejecutivo).

La serie comenzó a transmitirse el 9 de Septiembre de 1995 y finalizó el 1 de Junio de 1997, contando con dos temporadas: La primera de 13 episodios y la segunda de 11.

¿Quién es, de dónde viene y a dónde va?:

Como muchos recordarán, la serie trata sobre la vida de Dexter Douglas, un nerd de 16 años que se la pasa pegado a su computadora y que un día recibe como regalo de navidad un nuevo chip, llamado Pinnacle. La cuestión es que este chip está dañado y, sí una persona lo instala en la máquina, accede a internet, ingresa una determinada combinación de teclas y números y oprime la tecla Delete…se convertiría en un superhéroe.

La cuestión es que mientras Dexter buscaba unos libros, su gato persigue a una mariposa sobre el teclado de su pc, ingresando el código requerido. Cuando Dexter lo ve y trata de borrarlo…bueno, pasa lo obvio xD

Él ahora puede transformarse en Fenomenoide. Un ser de color celeste con el pelo negro parado y dos rayos blancos a los costados que viste siempre un traje entero rojo con una F en el pecho. En este estado gana una fuerza sobrehumana, una rapidez increíble y una agilidad envidiable. No puede volar, es por eso que es común ver al personaje corriendo con los brazos extendidos hacia arriba y emitiendo un “WOOOSSSHHHH”. Sin embargo puede moverse a velocidades muy grandes.

Hasta acá parece una historia de superhéroes común y corriente pero, como todos sabemos, esto no es así. Fenomenoide, en oposición a otros superhéroes, es un completo idiota xD Aunque más que idiota en realidad yo diría que es un lunático.

Ahora que lo pienso bien…creo que Frikilogía es algo así como un reflejo de él, por lo menos yo me identifico mucho. Es decir, es un friki delirante que lleva una F en el pecho...no hay forma en que un frikilólogo no se sienta identificado en algunos aspectos xD

Acá les dejo el opening que resume mucho mejor lo que puse arriba:

La serie, si bien es fruto de una línea de trabajo que comenzó con Tiny Toons y Animaniacs, tiene un grado de humor un poco más adulto. No tanto por el contenido de los chistes, sino por el grado de delirio de los mismos, siendo esto la principal característica de la serie. Más allá de este detalle sigue manteniendo la línea de violencia clásica y muchos chistes con referencias culturales.

Vale aclarar que la serie posee un humor delirante pero que no queda mal ni cansa. Va acorde a la idea de la serie y a la locura del personaje principal, está perfectamente armonizado y logra que uno se ría de un montón de cosas…además de que está el factor sorpresa de “con que me van a salir ahora”.

Otro enorme punto para destacar además del humor es las voces. Mi idea era volver a ver la serie en audio latino, ya que es el audio con el que la veía de chico, pero no se consiguen capítulos en este formato (al menos gratuitamente xD). Ví un par de capítulos que andan por youtube como para tener el recuerdo y además vi toda la serie en inglés.

Y la verdad es que, a pesar de que el doblaje es bueno e increíblemente similar, las voces en su idioma original no tienen desperdicio. Paul Rugg (actor vocal de Fenomenoide) es sin duda un genio total.

Bien, como es habitual en mí voy a pasar a describir un poco a los demás personajes…además me estoy trabando con la escritura xD Por cierto, voy a poner los nombres en inglés, algunas traducciones de los nombres en latino no me gustaron xD También voy a poner los actores vocales originales, no los del doblaje.

Familia Douglas: Es la familia de Dexter compuesta por Duncan, el hermano mayor que siempre lo está golpeando; Debbie, su sarcástica y ácida madre y Douglas, el despreocupado padre (sí, se llama como su apellido xD). También está Mr. Chubbikins, el gato de la familia. Ninguno de los familiares de Dexter tienen idea de que él es Fenomenoide…ni siquiera lo sospechan. No hay mucho más para decir de estos personajes, tampoco aparecen demasiado, pero tenía que nombrarlos.

Sgt. Mike Cosgrove: Es el jefe de policía, es muy tranquilo y pocas veces se lo ve con ganas de hacer algo, él mismo suele afirmar que “podría hacerlo…pero así soy yo”. Es el mejor amigo de Fenomenoide y, cada vez que éste tiene que perseguir a algún villano o está en una situación límite, Cosgrove aparece para invitarlo a cualquier otro lugar…obviamente Fenomenoide siempre acepta xD La voz del sargento fue realizada por Edward Asner.

Roddy MacStew: Es el escocés que descubre que el chip Pinnacle está dañado pero, cuando da la noticia ante la empresa, el jefe decide echarlo y vender los chips de todas formas. Cuando Roddy se entera de la existencia de Fenomenoide se convierte en su mentor, enseñándole a Dexter como controlar sus poderes.

Ingmar: Es el mayordomo de Fenomenoide y la persona a cargo de mantener la Fenomenocueva. Es como una combinación de Alfred y Bernando…físicamente se parece al mayordomo de Batman y es mudo como el ayudante de el Zorro. Termina renunciando a su puesto para convertirse en payaso de rodeo.

Profesor Jones: Es el remplazo de Ingmar. Es muy elegante, aunque equivalentemente cobarde, a pesar de esto acompaña a Fenomenoide en varias misiones. Físicamente el personaje es una recreación del Doctor Zachary Smith, de la serie Lost in Space, además el actor que realizó éste papel (Jonathan Harris) también le puso la voz al personaje. Por esta razón la primera vez que aparece todos los personajes que ven a Jones le preguntan si no actuaba antes en una serie con un robot.

Estos son los personajes aliados que más aparecen…pero como todo superhéroe Fenomenoide también tiene sus enemigos:

The Lobe: Acá conocido como La Mente. Es el principal enemigo de Fenomenoide, es un tipo con un cerebro gigante que suele realizar planes intrincados e inútiles que siempre terminan desbaratados. No hay mucha información sobre él, ni su nombre ni su origen son revelados, sin embargo podemos ver con el correr de los capítulos que es sensible y tiene problemas de autoestima.

Cobra Queen: Se llamaba Audrey Manatee y era de Skokie,Illinois. Era una delincuente común hasta que robó una loción de belleza experimental que había sido dejada en el sol mucho tiempo. Al aplicársela en la cara se transformó en una mujer cobra, con poder sobre serpientes y lagartos. La voz fue realizada por Tress MacNeille, quien también hizo las voces de Dot en Animaniacs y de Babsy en Tiny Toons.

Longhorn: Anteriormente conocido como Jubal Nixon, nacido en Odessa (Texas).Trabajaba en una fábrica de comida para gatos vendiendo bolsas hasta que un día se convirtió en criminal. Era tan buscado que hizo que un doctor cambiara su apariencia a la de un buey. Le encanta la música country y algunos de sus planes son para amenazar a compañías disqueras para que lo contraten. Maurice LaMarche fue quien le puso voz a este personaje (también hizo la voz original de Cerebro).

Armando Gutierrez: El jefe de la compañía Apex, la creadora del chip Pinnacle. Quiere obtener a toda costa los mismos poderes que Fenomenoide. Es una recreación física de Ricardo Montalban, un actor mexicano, y fue el mismo Montalban el que le puso la voz al personaje de Gutierrez.

Cave Guy: Un tipo enorme de color celeste que viste un taparrabo. Contrario a su aspecto y a su fuerza, Cave Guy es muy educado y elegante. Su verdadero nombre es Royce Mumphry.

Candlejack: Uno de mis personajes favoritos. Es una especie de fantasma (digo una especie porque no es intangible, pero sí flota) que siempre lleva una vela en una mano y una cuerda en la otra. Todo aquel que pronuncie el nombre de este ser en voz alta será raptado por él.

Waylon Jeepers: Un hombrecito de baja estatura y de aspecto patético que se interesa por objetos exóticos y peligrosos. Aparece poco pero siempre me hace cagar de la risa. Las voces de estos tres últimos villanos fueron realizadas por Jeff Bennett. Éste tipo es otro genio, también hizo otras voces para el programa.

También tenemos personajes que aparecen menos o que directamente aparecen una sola vez. Otros arrancaron con segmentos propios muy cortitos, pero dichos segmentos sólo estuvieron en la primer temporada. De hecho en un capítulo de la segunda temporada estos personajes se quejan ante Fenomenoide porque no los hicieron aparecer nunca más.

Lord Bravery y Huntsman son tal vez los más recordados (las voces de ambos personajes fueron hechas por Jeff Bennett).

Lord Bravery, el superheroe inglés.

Huntsman, enojado porque nunca puede combatir el crimen.

Hay un personaje llamado Emmitt Nervend…nunca dice nada, pero aparece prácticamente en todos los capítulos. A veces parado en el fondo, a veces su cara se muestra como mensaje subliminal…pero aparece xD Tal vez lo recuerden más con una imagen:

Por motivos como éste se hace difícil hacer una nota de Fenomenoide. Es una serie con tantos detalles, sutilezas y personajes que aparecen una sola vez que se hace duro elegir que compilar y que no en una nota. Me gustaría poner a todos o contar más detalles de algunos capítulos, pero se haría largo, tedioso y spoilero.

También se hace difícil escribir sobre el humor sin dar ejemplos concretos de ello y, aunque se haga esto, se corre el riesgo de que al sacarlo de contexto pierda la gracia.

Por otro lado el objetivo de la nota es recordar la serie y motivar a la gente para volver a verla. Debido a que la gran mayoría que leerá ésta nota ya vió la serie, seguro empezará a acordarse de varias cosas o cuando menos le darán ganas de volver a verla. Y si alguno que no vió la serie lee esta nota al menos va a tener un preámbulo suficiente como para ir entrando en tono y saber por donde viene la mano.

Todo eso suponiendo que alguien lea la nota xD

Por ésta razón y también porque hoy ando corto de inspiración (tengo que reconocerlo) los dejo acá nomás. Saludos y espero hacer una nota un poco más decente la próxima vez.

El Hippie Cómico

Retroanálisis: Animaniacs

Un año más ha pasado y como siempre sucede en cada año nuevo…nos pega el viejazo (?). En este caluroso Enero decidí recordar/analizar/homenajear a los Animaniacs, un dibujito entrañable, uno de tantos que poblaron mi infancia. Estos muchachos no necesitan más preámbulo…por eso, que comience la nota:

Si te gusta algo de información, lee:

Como sabrán, el nombre completo es: “Steven Spielberg Presents: Animaniacs”, pero obviamente todos la conocen como Animaniacs (ya que es mucho más corto y simple xD). Este peculiar dibujo fue creado por Tom Ruegger, producido por Amblin Entertainment (productora de Steven Spielberg) y distribuido por Warner Bros.

Animaniacs comenzó su transmisión el 13 de Septiembre de 1993 y finalizó el 14 de Noviembre de 1998, logrando así 5 temporadas compuestas por un total de 100 capítulos. Por otra parte la serie tuvo su cierre definitivo con la película “El deseo de Wakko” lanzada en 1999.

Hay que destacar que Animaniacs es la segunda serie que Steven Spielberg y Warner Bros producen en colaboración. La primera fue “Tiny Toons”, también creada por Tom Ruegger y que tuvo un éxito rotundo entre público joven y adulto. Sin embargo Animaniacs no se quedó atrás, ya que fue considerada la serie más vista de los ’90.

Ambas series tienen un papel importante en el renacimiento de la animación de 1990. Debido a que a mediados de 1980 la industria de animación estadounidense había caído en una desgracia importante, que llevo a que incluso Disney se plantee abandonar la producción de largometrajes animados. Obviamente no lo hizo, y en 1988 dicho estudio colaboró con Steven Spielberg para producir “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, película que le dio a la animación el empujón que necesitaba. Desde ese año en adelante se dio lo que se conoce como el renacimiento de la animación moderna.

Se ve claramente la importancia de Steven Spielberg en este renacer y también en el posterior desarrollo de dibujos animados, en su mayoría producidos en colaboración con la Warner.

Pero bueno, ya está bien de información por ahora, vamos a lo concreto:

Se abrió el tanque de agua…¡Atenti!

Animaniacs trata sobre las travesuras de los tres hermanos Warner: Yakko, Wakko y Dot. En la historia estos tres personajes fueron creados en 1930, año en el que los estudios Warner iniciaban la producción de Looney Tunes y Merrie Melodies. Los hermanos Warner fueron creados junto con los otros personajes, pero estaban demasiado locos y fuera de control, por lo tanto deciden encerrarlos en el tanque de agua del estudio para que no puedan salir. Años más tarde (en 1993) consiguen escapar, sin embargo siguen conservando su apariencia en blanco y negro, bien adecuada a la época en la que fueron creados.

Los capítulos se componían de 2 o 3 dibujos animados cortos, llegando a la duración estándar de un dibujito animado que es entre 22 y 25 min. Si bien los hermanos Warner eran los protagonistas, la serie contaba con un montón de otros personajes (la mayoría con su segmento propio) logrando así un aspecto fresco y diverso.

He aquí a intro que más de uno debe recordar, donde siempre iban variando la frase que seguía a “Por eso nos llamamos…”:

La serie es genial en muchos puntos: Como sus protagonistas están completamente locos, la serie adquiere un toque delirante prácticamente único que se ve reflejado en los guiones de los capítulos. El sentido del humor es excelente, teniendo una variedad de chistes muy amplia, que consigue atraer tanto al público joven como al adulto. Entre todo su loco arsenal encontramos desde la típica violencia de los dibujos animados (aplastar a alguien con un yunke) hasta referencias culturales de todo tipo, sobre todo históricas y sociales. Incluso en muchos capítulos vemos a los hermanos Warner en sucesos históricos o encontrándose con personas reales e interfiriendo con sus tareas (molestando a Miguel Ángel cuando éste pinta la capilla Sixtina, por ejemplo).

Animaniacs es un gran homenaje a las caricaturas clásicas, ya que tiene todos los elementos con los que estas contaban: Aparición de los personajes en lugares pequeños o cerrados, rápidos cambios de vestimenta, golpes con yunkes o martillos que aplastan a un personaje, explosiones, etc.

Una particularidad del dibujo es que tiene muuuuuuchas canciones, se centró mucho más en este aspecto que su antecesor (Tiny Toons), pero la verdad es que no molestan para nada porque no suelen ser demasiado largas y por lo general tienen un ritmo o una letra entretenido.

Los hermanos Warner tienen rasgos característicos iguales, como ser: El color blanco y negro, los guantes blancos, la nariz roja, el espíritu delirante y la determinación de conseguir siempre lo que quieren. Pero vayamos un poco más a lo particular:

Nota: Voy a poner los actores vocales de los respectivos personajes, vale destacar que TODOS los que pongo son los que hacen las voces en el doblaje latinoamericano.

Yakko Warner: El hermano mayor y prácticamente el líder del grupo. Usa unos pantalones largos de color marrón con un cinturón negro. Es el más vivo y tramposo de los tres, no permite que nadie lo humille o se interponga entre lo que desean. Para lograr esto, Yakko utiliza siempre juegos de palabras para confundir al enemigo y es quien elabora los planes a seguir. Además suele malinterpretar las cosas que otro personaje dice como malas palabras, cuando en realidad no lo son. Siempre que esto ocurre Yakko lanza un beso a la pantalla y dice su conocida muletilla: “Buenas noches a todos”. La voz de éste personaje la hace Rafael Monsalve, quien también hace la voz de Buster Bunny en Tiny Toons. Yakko tiene una canción muy conocida en la que nombra todos los países del mundo y como ésta es una de mis favoritas se las dejo:

Wakko Warner: El hermano del medio y, como tal, el más hiperactivo de los tres personajes. Siempre viste una remera mangas largas color celeste y una gorra roja; elemento que mantiene casi siempre, a pesar de los cambios de prenda. Wakko es bastante más violento que Yakko, cuando algo le molesta o se interpone en su camino usa la violencia física para librarse del problema; generalmente haciendo uso de un enorme mazo marrón que siempre lleva con él. También se lo puede ver con una bolsa en la que lleva infinidad de elementos, rasgo bien clásico de las caricaturas. Su expresión característica es “Fabuuu”. Tiene una dentadura y un estómago a prueba de balas, ya que se come TODO lo que anda por ahí. Junto con Yakko tienen una muletilla inolvidable…cada vez que ven a una mujer seductora exclaman a duo: “Holaaaaaa, enfermera”. Wakko tiene un segmento propio llamado “El gran Wakkorotti”, donde eructa canciones conocidas. A la voz de Wakko la realiza Giset Blanco, la misma actriz vocal que hace de la peligrosa Elvira en los Tiny Toons.

Dot Warner: La más pequeña de los tres, Y aunque su apariencia sea dulce, tierna e inocente…a veces demuestra todo lo contrario. Usa una pollera rosa y un lazo con una gran flor amarilla que le sujeta las orejas. Siempre lleva un monstruo en una pequeña cajita al que llama “su mascota”. Usa constantemente la frase “Yo soy bella” y se molesta cada vez que Yakko y Wakko se vuelven locos por una mujer atractiva. En algunos episodios se revela que su nombre es Princesa Angelina Contessa Luisa Francesca Banana Fanna Bobesca tercera…pero gracias a los dioses ella prefiere que la llamen Dot xD Suele ser caprichosa y muy dramática, tanto que cuenta con su propio segmento titulado: “La esquina poética de Dot” donde recita un poema random bastante propio de los hermanos Warner. La voz de este personaje esta realizada por Elena Prieto, la misma mujer que hace la voz de Babsy Bunny. Dato curioso: La actriz vocal de Dot en la versión en inglés también realiza la voz de Babsy Bunny.

Hasta aquí los hermanos Warner. Pero como dije, hay muchos personajes en esta serie. Los que nombro a continuación también cuentan con sus propios episodios:

Pinky y Cerebro: Sin lugar a dudas son, después de los Animaniacs, los personajes más populares. Son los primeros personajes secundarios en tener su propio corto. Como muchos sabrán son dos ratones de laboratorio genéticamente alterados, Cerebro es un genio y Pinky un idiota absoluto, cuya única ambición es conquistar el mundo. Obviamente cada plan (que por cierto son bastante delirantes) se frustra cuando está a punto de conseguir su objetivo. Hay tres frases muy conocidas en esta serie:

1- “Pinky…¿Estás pensando lo mismo que yo?”

2- “Lo mismo que hacemos todas las noches Pinky...tratar de conquistar el mundo.”

3- El inolvidable “Narf” de Pinky.

Estos dos ratoncitos alcanzaron tanta popularidad que se decidió hacer dos series con sus aventuras: “Pinky y Cerebro” de 65 episodios, transmitida de 1995 a 1998 y “Pinky, Elvira y Cerebro” de 13 episodios transmitida de 1998 a 1999.

La voz de Pinky es realizada por Frank Carreño, quien hizo también la segunda voz del Gallo Claudio. Mientras que el actor vocal de Cerebro es Orlando Noguera Marrón, también conocido por su trabajo como el Narrador de Tiny Toons y las voces de Plucky y el papá de Max Montana; del mismo dibujito.

Slappy la ardilla: El segundo personaje en tener su propio episodio. Es una ardilla vieja que en su juventud fue actriz de dibujos animados. Es mala leche a más no poder, tiene un temperamento bastante jodido ya que se enoja por casi todo y recurre muy seguido a la violencia, siendo la dinamita su recurso favorito. Su muletilla es: “Esto sí es divertido” haciendo siempre referencia a un enemigo que sale volando por los aires o es atrapado en una trampa. Slappy suele tener la visita de su sobrino Skippy, una joven ardilla inocente que admira a su tía y quiere ser como ella. Isabel Vara fue la encargada de realizar la voz de Slappy.

Los palomos emplumados: Es un grupo de palomas mafiosas formado por Bobby, Squit y Pesto que están claramente inspirados en las películas Godfellas y The Godfather, y más particularmente en los actores Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci.

Bobby es el más inteligente y quien pareciera manejar la batuta dentro del grupo. Squit es el último en unirse al grupo y es muy optimista y sonriente, aunque esto no le favorece demasiado. Por otro lado Pesto es el calentón del grupo, todo le jode. Va siempre golpeando a Squit sin razón aparente, o a veces porque confunde las palabras y piensa que Squit lo está insultando. Dentro de los capítulos de este trío también podemos ver la aparición de el padrino, un palomo más gordo (inspirado en Marlon Brando) que habla en un idioma que sólo Bobby entiende y al cual le deben sus respetos.

Desconozco quien realizó la voz de Bobby, pero la de Squit fue hecha por Orlando Noguera Marrón (Cerebro) y la de Pesto por Rafael Monsalve (Yakko Warner).

Rita y Runt: La pareja dispareja. Son una gata y un perro callejeros que viajan juntos buscando un hogar en el cual vivir. Rita es una gata que siempre está cantando y tiene una visión muy crítica sobre los humanos. Runt es un perro torpe con muy poco coeficiente intelectual, tan poco que cree que Rita es un perro. La voz de Rita fue hecha por Elena Prieto (Dot Warner).

Mandy y Botones: Mandy es una nenita rubia con una voz dulce a la cual siempre dejan jugando en el jardín atada a un arnés. Botones es la mascota de la casa, al que siempre se le da la orden de cuidar de la niña. Sin embargo Mandy siempre logra escaparse para ir en la búsqueda de algo que se le perdió o algo llamativo que quiere alcanzar, de esta forma se pone en los peligros más insólitos y es Botones quien va a rescatarla a toda costa, llevándose todos los daños. Mandy tiene un par de muletillas: Siempre le dice “Señora” a su mamá (a pesar de que esta le reitera que no la llame así lo dice una y otra vez), siempre pregunta “¿Por qué?” a todo (como hacen todos los chicos), “Te/Los quiero mucho adiós” siempre que se despide de alguien y “Perrito tonto” siempre que ve a Botones recibir algún golpe o caerse desde una gran altura.

Por otro lado también había otros personajes (que entrarían en la categoría de “terciarios”) que no tenían tantos episodios:

Flavio y Marita: Una pareja de hipopótamos españoles ricos (combinación bizarra si las hay) que, cansado de vivir en la jungla, se mudan a la ciudad con su mansión. A menudo aparece en sus episodios una zoologa que quiere llevarlos de nuevo a su hábitat y protegerlos de los peligros, pero resulta siendo ella la lastimada mientras que la pareja de gran volumen sale ilesa.

Kikiri-Boo: Es uno de los cortos más delirantes xD Es un pollo gigante obsesionado con vestirse y actuar como humano. Siempre adquiere algún tipo de fama o reconocimiento, sin que nadie se de cuenta de que es un pollo. Sólo un personaje por capítulo cae en la cuenta de su identidad, pero nadie lo escucha. Finalmente de alguna forma el disfraz de Kikiri-Boo es removido y queda en evidencia la verdad, motivo por el cual el pollo es perseguido por una muchedumbre iracunda. Suele encarnar a personajes famosos.

Katie Ka-Boom: Katie vive con sus padres y su hermano menor. Es una jovencita alegre que, ante una situación vergonzosa o algo que la fastidia, comienza a transformarse en un monstruo llegando a veces al punto de explotar literalmente. Katie es una parodia al típico comportamiento de los adolescentes, tanto en sus peticiones como en sus reacciones y el trato con sus padres.

Minerva Mink: Es una visón muy bella que vive en el tronco de un árbol en el bosque. Es bastante arrogante, ya que sabe el impacto que tiene su apariencia en el sexo masculino y además suele utilizar esta ventaja como herramienta para conseguir lo que quiere. Las voces de Minerva y de Katie Ka-Boom fueron hechas por Livia Méndez, quien también realiza la voz de Mary Melody de los Tiny Toons.

El Mimo y El Maniquí: Ambos personajes son completamente mudos y no tienen capítulos enteros, pero sí tienen breves segmentos. El Mimo está en “La hora del mimo”, en dicho segmento El Mimo realiza una pantomima que el locutor narra y como resultado termina golpeado o aplastado por algo. El Maniquí aparece en el segmente “Buena idea, mala idea”, donde se muestra una acción acertada y una incorrecta (ésta última generalmente es flashera y tiene poca relación con lo que se está haciendo).

Y por último tenemos a los personajes que no tenían sus propios episodios, pero que son muy importantes ya que suelen aparecer en muchos de los capítulos de los hermanos Warner:

El Doctor Rascahuele: Es el primero en tener que soportar a los Warner. Es un psiquiatra que trabaja en el estudio de la Warner Brothers y que tiene como deber controlar a los incorregibles hermanos. Su voz fue realizada por Orlando Noguera Marrón (Cerebro y Squit).

Hola Enfermera: La ayudante del doctor. Es la enfermera sexy que da pie a la famosa expresión de Yakko y Wakko (aunque después la aplican a cualquier mujer atractiva, la primera vez que la usan es con ella), y a su vez esa expresión es su nombre xD La primer voz de este personaje fue realizada por Ivette Harting, que también hacía la voz de Max Montana en los Tiny Toons. Fue reemplazada en ambos doblajes por Edilú Martínez.

Tadeo Plotz: Es el iracundo y petizo director de la Warner Brothers y el principal foco de bromas de los hermanos Warner.

Ralph: Es el guardia de seguridad gordo y torpe del estudio. Siempre está intentando atrapar a los hermanos Warner y falla estrepitosamente una y otra vez. Alfonso Soto se encargó de encarnar la voz de este personaje y también la de Flavio el hipopótamo.

Hasta acá el loco staff. Vale decir que casi siempre en los capítulos pertenecientes a otros personajes, los hermanos Warner aparecían en pantalla siendo perseguidos por Ralph.

¿Qué me queda por decir? Bueno, más cosas geniales de esta serie. Un detalle simple pero que me parece excelente es que nunca se sepa que carajo son los hermanos Warner…parecen gatos cruza con perro, cruza con mono y cruza con conejos. En fin, nunca sabremos que carajo eran y no importa, porque parte de su encanto reside en eso.

Otro golazo fue poner excelentes cantantes. No hay una canción fuera de tono y vale decir que la traducción de las canciones son muy buenas ya que algunas tienen palabras rebuscadas en el idioma original. Aún así no pierden la rima ni en el encanto y quienes las interpretan cantan bien, destacando mucho Elena Prieto en su interpretación de Rita.

La serie tiene muchísimos juegos de palabras que, con la traducción, se pierden. De todas formas a la mayor parte de estos chistes se le encontró la forma de traducirlos para que no se pierdan. Punto a favor de los directores de doblaje. Otro puntazo fueron los actores vocales. Más allá de que la serie la ví de chico en ese audio (y la volví a ver recientemente en el mismo) realmente es un trabajo muy bueno y cada voz cuadra excelente con cada personaje.

Otra cosa genial que posee este dibujo es la cantidad de referencias culturales que tiene, por ejemplo sobre personas. Entre todas las celebridades que aparecen tenemos a algunos como: Ronald Reagan, Albert Einstein, Miguel Ángel Buonarroti, Steven Spielberg, Spike Lee, Whoopi Goldberg, Dani DeVito, Michael Keaton, Michelle Pfeiffer, Gallagher, Mel Gibson, Madonna, Pablo Picasso, Jerry Lewis, Elvis Presley, Jimmy Hoffa, Ludwig van Beethoven, Pavlov, Rasputin, Zar Nicolás II, Thomas Jefferson, Abraham Lincoln, Alfred Hitchcock, Prince, Cleopatra, Merlín, Aristóteles, Marlon Brando, Saddam Hussein, Groucho Marx y Ross Perot. Pero como dije, estos son los que aparecen…hay muchos otros que solamente son nombrados.

También aparecen celebridades de más cercanas a los Warner, me refiero por supuesto a personajes de otros dibujos animados (la mayoría de los Looney Tunes y los Tiny Toons) como ser: El Coyote y el Correcaminos, Porky, Buster, Babsy, Dizzy, Plucky, Batman, La Bella y la Bestia, Pussyfoot (El gatito que siempre estaba con el bulldog marrón en los Looney Tunes), Popeye y Cocoliso, Tom y Jerry, Marvin el Marciano, Pelusa, Pinocho, Demonio de Tazmania, Shirley McLoon (Tiny Toons), Fifi La Fume, Elmer Fudd, Bugs Bunny y el Pato Lucas.

Y como no podía faltar en una serie que está por un director de cine, las referencias a películas y otras series de TV, que son fuente de inspiración para varios capítulos y personajes de la serie: West Side Story, Les Miserables, Goodfellas, The Godfather, Duck Soup, Indiana Jones, Old Yeller, L.A. Law (Serie de TV), Alien, Star Trek (Serie de TV), Star Wars, Los Supersónicos, Bambi, The Birds, Edward Scissorhands, Raging Bull, Rocky y Mission Imposible.

Y bueno…hasta acá llega la nota. Se me hizo un poco larga pero es un dibujito que me encanta y quería describir un poco de cada personaje, ya que cada uno me saco más de una sonrisa. Espero que a ustedes les suceda lo mismo leyéndola y recordando, pausando la lectura de la nota para altabear y buscar algún otro video en youtube de este peculiar trío.

Un anticipo: el mes que viene voy a seguir con la línea y voy a hacer nota de Fenomenoide!...otro dibujo genial de nuestra infancia.

¡¡¡Arrivederci!!! Hasta el mes que viene.

El Hippie Cósmico

Liberté, égalité, fraternité

Todos nosotros leímos historietas de chico. Es poco conocido el caso de aquel que compartió los ratos de la infancia sin un solo libro de historietas como compañero, y compadezco profundamente al que la haya tenido que sobrellevar sin personajes entre cuadros mediante. En efecto, es tanta la difusión que tiene este medio sobre los infantes (ya sea por recibirlo intencional o intencionalmente), que poco es el margen que se deja para que nadie conozca (o haya conocido en su época) a uno, dos o media docena de personajes de historieta. Puede que estos ángeles de la guarda infantiles se hayan borrado de nuestra memoria, o puede que todavía brillen en nuestros recuerdos las aventuras de tal o cual personaje.

Los Frikilólogos (y quienes nos rodean) nos caracterizamos no solo por no haberlos desterrado de nuestra memoria, sino por vanagloriarlos y por continuar, hasta el día de hoy, rodeados de estos personajes. Es uno de estos personajes a los que voy a citar hoy aquí, ante todos nosotros, a un enano para nada infantil, fiero y de buen corazón; Asterix el Galo.

Narizotas y Bigotes

Básicamente, Asterix es una típica historieta francesa, editada en páginas de múltiples cuadros (detestan los pocos cuadros, nuestros amigos los franceses), desde comienzos de la década del ’60 hasta nuestros días. Es curioso pensar que una serie de un humor un tanto reticulado (o con olor a viejo) pueda llegar a tener un golpe cómico en nuestros días; pero, en cierto sentido, yo pongo a esta clase de historietas en el mismo escenario que a los Les Luthiers; por más que cambien los tiempos, los seres humanos somos muy nostálgicos y tenemos reminiscencias de otro tiempo que todavía no terminó de morir, pues pruebas como ésta siguen dándole vigencia.

Eso, o simplemente nos gusta.

Los Autores

Antes de que Asterix viera la luz, los dos autores (Uderzo, un dibujante particular, y Goscinny, un guionista excepcional) publicaron otra historia llamada Oompah-pah, en el mismo magazine que aparecía tintin. Mas adelante, en octubre del ’59, Asterix vio la luz en otra revista, llamada Pilote; pero hete aquí que el dibujo gustó tanto, que se confeccionó un comic-book (con el formato que conocemos ahora), el primero (que apareció en 1961) de lo que sería un largo reguero de fascículos. A partir de entonces, a un ritmo regular de más o menos un año, los comic-books (o libro de historietas, o álbum, o…) fueron fructíferos y reticentes, siempre con una mejoría en el estilo.

Cuenta la leyenda que los primeros dibujos de Uderzo de Asterix mostraban a un colosal, fuerte y tradicional guerrero galo; pero Goscinny fue a el con una idea totalmente diferente; quería un guerrero pequeño y diminuto, que prefiriera la inteligencia sobre la fuerza. Sin embargo, Uderzo sintió que el pequeñito de Asterix necesitaba un compañero fuerte pero estúpido; Goscinny accedió, y esto condujo directamente al nacimiento de Obelix.

Hay un verdadero mambo con los derechos de Asterix; para hacerla corta, Dargaud era la editora que se quedaba con los derechos de los primero álbumes, pero luego de la prematura muerte de Goscinny y del reclamo popular de que la serie continuara, Uderzo no solo tomó también el papel de escritor, sino que creo su propia editorial para no tener que seguir confiando derechos sobre alguien más. Más adelante, tanto la familia Uderzo como la Goscinny demandaron a Dargaud por los derechos de Asterix y ganaron la querella.

Otra ironía; Uderzo decía que no quería que nadie continuara la serie de Asterix sobre su muerte, pero pareció cambiar de parecer hace poco y vendió los derechos de publicación y utilización post-mortem a Hachette, una editorial cualunque.

Esto, para interés de los chismosos, causó una querella familiar, especialmente con la hija de Uderzo quien declaró en Le Monde, “El co-creador de Asterix, el galo que representa la independencia por excelencia, ahora se ha vendido a los hombres modernos de las finanzas y la industria, tal como venderse a los romanos por unos sextercios” (los sextercios son agregado mío). A su vez, la hija de Goscinny también vendió sus derechos para publicación post-mortem, y Uderzo seleccionó a tres ayudantes para que fueran sus sucesores.

Puñetazos varios

Asterix y Obeliz narra la historia de un pueblecito galo que vivía en las orillas de armórica, costa noroeste de Francia, que resiste a la ocupación romana en el año 50 antes de cristo. Esta sencilla cuestión es alterada siempre por nuevos elementos, más que nada adornos o sortilegios de muy distinta receta, causada por el gran arsenal épico que es y fue el mundo antiguo. Los autores usan, con eficacia, registros históricos de una manera desopilante.

Los galos (antiguos ocupantes de Francia) han sido sometidos bajo el yugo de César, o casi todos, pues este pueblecito galo, aún resiste. Cómo resiste? Sencillo, gracias a la poción mágica que confiere fuerza sobrehumana a aquel que la beba, poción cuyo secreto solo es conocido por Panoramix, el druida de la aldea.

Este pueblo no es un pueblo militante, ni revoltoso, ni nada menos. A menudo se recagan a trompadas entre ellos, y otras tantas veces tienen conflictos por estupideces. Pero la gran mayoría del tiempo, lo único que quieren hacer es continuar su vida en paz, cazando jabalíes en el bosque y divirtiéndose en comilonas, además de abofetearse de buen grade, ya sea entre sí o entre los romanos.

Los problemas generalmente tocan a su puerta, ya sea ayudando a enemigos del imperio romano, yendo a buscar una determinada cosa que su druida necesita o acompañando a alguien a hacer algo. Asterix y Obelix siempre son los dos guerreros designados a hacer el viaje que sea, tras lo que sea, como sea. Y, obviamente, siempre resultan victoriosos.

El Imperio Romano es una máquina de perfección y ensamblaje; en todos lados rebosa disciplina y respeto, exceptuando en los asuntos que conciernen a esos galos específicos. Tanto el César como sus subordinados han pasado por mil y un estrategias para derrotarlos, pero es inútil; el pueblo galo es mucho más fuerte que todo el Imperio junto.

El humor francés es bien apreciado a través de las adaptaciones históricas que tiene el comic; ya desde la figura del César, o Cleopatra (por mencionar a solo un par de todas las que desfilan en sus lugares), hasta detalles nimios pero importantes, como son los nombres y los idiomas de los diferentes pueblos involucrados (cambiar la fuente cuando se trata de otro idioma, cambiar la terminación cuando se trate de otra etnia), hasta la necesidad básica de cagarse a trompadas hacen de asterix un comic para nada desperdiciable.

“Nuestro Bardo tiene Voz de Sistro, pero no Miente”

Asterix ha recibido montonazo de menciones en todos lados. De más está aclarar las adaptaciones al cine que tuvo, además de las adaptaciones animadas; cuenta también con un parque de diversiones temático, en Francia. Pero estas menciones serían poco curiosas sin algunas particulares;

• El primer Satélite Francés lanzado al espacio en 1965 tuvo de nombre Asterix-1, y no solo eso, sino que el Asteroide 29401, descubierto también por astrónomos franceses, lleva el nombre de Asterix; después de todo, Asterix en griego antiguo significa “Pequeña Estrella”.
• Durante las Olimpíadas de 1992, Asterix apareció en numerosos posters en torno a la torre Eiffel.
• Asterix y Obelix aparecieron en la tapa del Time, en una edición especial dedicada a Francia. Ahí, fueron descritos como “la imagen de la independencia francesa ante un mundo globalizado”.
• La final entre Francia e Italia en el Mundial del 2006 fue descrita como un enfrentamiento entre galos y romanos.
• La DC sacó un número en el cual Supermano y Jimmy Olsen regresan en el tiempo para toparse con una tribu de indomables guerreros galos que mantienen a raya a los romanos.
• El 29 de Octubre de 2009, Google puso una portada especial en su página web conmemorando los 50 años de Asterix.

Podría seguir hablando de Asterix. Podría hacer reseña de personajes, trama e historias. Pero esta aventura, la aventura de leer Asterix, es una aventura que es mejor hacerla solo. Y les dejo algunos pedazos de los Films animados, porque tampoco tienen desperdicio.

Warning! Spoiler!

Un abrazo, y nos leemos en la próxima entrega de un comic de Goscinny !

Cataqclismo